“Silverwater” è il trionfo dell’improvvisazione come e forse in maniera più accentuata che sul precedente “Chemist”. Da quest’ultimo, infatti, prende le mosse per sviluppare una consistenza se possibile ancora più diluita tra le ritmiche di un piano intrappolato nelle trame minimaliste, le evasioni jazz e i canoni classici.Il basso stavolta segue i tracciati di un tessuto liquido, quasi inesistente che si abbandona a una ripetizione creativa, a un loop (o milioni di essi) che si prende il proprio tempo: nasce, cresce, matura e muore nell’arco vitale di un ciclo mai uguale a se stesso.Il vero protagonista dell’album è comunque la percussione di Tony Buck (uno dei migliori batteristi del pianeta) a cui è affidato lo scheletro dinamico dell’opera.

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Necks – Silverwater :: Le recensioni di Onda Rock

The Necks: Pop Will Eat Himself Recensione di: Amalteo , (Thursday, October 22, 2009)

Niente di professionale. Questa è solo una analisi passional-stilistica di:

The Necks– “Pop Will Eat Himself”
Seconda parte del concerto tenuto al The Factory Theatre di Sidney, 2008

(clicca sulla parti evidenziate con –>)

Mio demerito. E’ terribile “smontare” in 5 pezzi un’opera unitaria di 45 minuti costruita sulla scena. Tuttavia servirà a intra-vedere come loro riescono a scolpire il loro ennesimo gioiello musicale. Il consiglio al lettore è di darsi un’ora di tempo e sentire uno dei dischi della collezione.

Mio merito: faccio tutto come in una seduta psicanalitica. Associo. Lascio andare i pensieri. Scrivo mentre ascolto. Amplifico. Vado a caccia di ricordi. Puoi farlo anche tu. Provaci.

Nella lingua tedesca la parola Gestalt vuol dire “forma, configurazione” e rimanda al concetto di “totalità formale e strutturale“. Su questa parola si fonda la psicologia della forma, secondo la quale i processi mentali della conoscenza e dell’esperienza percettiva si organizzano in una totalità che è differente dalla somma dei singoli elementi che la compongono: “sfondo/primo piano/unità” , come osserva Astime nel commento 8.
In un ascolto trasognato di un pezzo dei The Necks potrai fare esperienza diretta di questo modo in cui funziona la mente.

I tre lavorano assieme, perfettamente integrati come in una Gestalt. Di più: il loro suono è unitario, pur essendo costruito con impercettibili apporti associativi di ciascuno.
Fanno minimalismo in ambiente jazz.

Nominiamo i tre: Chris Abrahams al piano (il più introverso), Tony Buck alle batterie (potenza vulcanica allo stato naturale), Lloyd Swanton al contrabbasso (il generoso, il connettivo, il socievole, l’assertivo).

Un’opera musicale d’arte di quasi un’ora si poggia necessariamente su un percorso che ha una introduzione, alcuni cuori interni ed un finale di chiusura.
In fondo anche noi , esseri viventi, siamo come una musica.

1. –> Introduzione

Si sta entrando in un mondo immaginario.
Si deve farlo con leggerezza e spirito accogliente.
Swanton crea il clima, Buck costruisce l’ambiente (senti quelle nacchere che corrono sul tamburo!) e Abrahams introduce elementi dinamici.
Concentrarsi sull’impasto dei suoni e la progressione lenta. Il crescendo sarà segnato dai tasti bassi del piano, a loro volta sostenuti dal tappeto della batteria e tenuti assieme dalle vibrazioni delle corde.
(Mi scuso per la frattura: troverò modo, caro lettore, di farti sentire tutto l’intero. Qui lavoriamo sulle parti).

2. –>Primo cuore: volevamo portarti qui

Siamo attorno all’11 minuto.
La struttura sonora si fa più veloce e drammatizzante.
I mezzi sono un emozionante interplay di grande affettività fra i musicisti.
L’effetto è quello che chiamerei di “ipnosi con coscienza“.
Ci siamo.
Siamo dentro un ambiente laterale della realtà.
E’ il centro del Mandala.
Ma come nei Mandala, ci sono le vie laterali (alto/basso, est/ovest).
E come lo fanno?
Con le variazioni. Arabeschi, ornamenti, sub-tonalità, armonici primari e secondari.
Qui stiamo provando l’esperienza di “essere dentro” il “loro” mondo immaginario. Quello in cui volevano portarci. E tuttavia sei “tu” (“io”), con la tua soggettività che ci stai.
C’è collaborazione, c’è relazione qui. C’è empatia.
L’archetipo del Fantastico (inventato or ora) suggerisce: “C’è magia … è come stare in una fiaba“.
Più semplicemente il primo cuore sussura: “è bello stare qui”.
Il folletto benefico è Abrahams.

3. –> Secondo cuore: nel mezzo del cammin …

Siamo al 25° minuto.
Si cammina, si corre.
La vita è un lampo.
Occorre guardare tutto quanto è possibile.
Godere degli attimi.
Carpe diem …. Carpe diem … Il tempo corre …
Ci vuole energia. Ci vuole libido.
Ci vuole dinamica, che vive a contatto con la statica.
Chi è il folletto energetico?
E’ Carl Abrahams: vertigine controllata.
E’ lui che fa correre le note del piano, alimentandosi anche con l’archetto di Swanton.
Si corre qui.
Non c’è tempo.
“Siamo in ritardo”, come diceva il coniglio di Alice nel regno delle meraviglie.
Non ci sono picchi o avvallamenti.
Direi che siamo su un “vertice durevole“.
Associo al plateau orgasmico.
Dura di più, però.

4. –> Terzo cuore: le vie sono ardenti

Siamo al 32° minuto.
Ora si può provare l’impossibile: accomodarsi sopra un cratere vulcanico. Dalle coppe osserverai il ribollire della lava.
La psiche è incandescente, le fiamme si levano e si ritraggono.

“La loro fine è tracciata nel loro principio
e il loro principio nella fine,
come la fiamma è unita al tizzone ardente”.
_{(Sepher Jtzirah, I, 8)}

Ci vuole potenza per farlo.
E chi è il folletto della potenza?
E’ Tony Buck: un fenomeno della natura. Un vulcano umano.
Suo è il battito potente, percussivo, forte, sicuro, implacabile, accessibile.
Con quel drumming si può sedere sull’orlo del cratere come se si fosse sul bordo di un fiume placido alla new age.
Ma i folletti collaborano. I folletti arrivano assieme, anche se ciascuno ha un ruolo.
E infatti Abrahams lavora sugli armonici e Swanton – l’assertivo è al servizio del tutto. Lui si è assunto l’umile e necessario compito di “tenere assieme”.
Solo così si può stare davanti alla lava come davanti ad un ruscello romantico da lieder schubertiano (quello della Bella Mugnaia).

5. –> Si torna a casa

Nella sintassi musicale c’è una figura retorica che si chiama “cadenza d’inganno“.
Spiega Wikipedia che: “Una cadenza d’inganno crea un momento di sospensione che determina un aumento d’interesse verso la composizione in quanto la sensazione di una conclusione viene disattesa ed inoltre fa sì che il compositore possa aggiungere una o due frasi che chiudano il tutto”.
Lo dico con parole mie.
La cadenza d’inganno funziona così: sei a casa tua … Esci di casa (nel nostro caso con questo pezzo dei The Necks) … Cammini … Cammini … Vedi … Osservi … Sperimenti … Sei fuori di casa …. Sei in un altro spazio … poi ritorni e ti accorgi che non eri mai uscito di casa.
Questo è quello che mi provocano i gestaltici Abrahams, Buck e Swanton.
Si torna a casa. O meglio non si era neppure usciti.

Era un viaggio nell’Immaginario.

Era una Reverie

recensione presa da qui:

• DeBaser | Recensioni scritte da chi vuole

The Necks (Australia) – contemporary jazz – Visit Ljubljana

Minimalist trio has unique sound – Pittsburgh Tribune-Review

Se la musica di Molvaer si può definire post-jazz, allora quella dei Necks va considerata a buon diritto «post-tutto». A volte vengono definiti un trio jazz, e va bene; basta aggiungere subito che hanno completamente rivisto l’idea di base di una simile formazione.

L’accoglienza estatica ricevuta dall’Esbjorn Svensson Trio alla Royal Festival Hall nel 2003 durante il London Jazz Festival è stata vista da qualcuno come il segno che per quanto riguarda l’innovazione il testimone era passato dall’America all’Europa, e in particolare alla Scandinavia. Considerate quanto disti l’Esbjorn Svensson Trio dal genere di cose che continuano a propinare gruppi come il Tommy Flanagan Trio e vi farete un’idea di quanto i Necks abbiano superato il trio svedese. Ciò significa, se vogliamo dare una sède geografica all’innovazione, che la nuova frontiera del jazz è l’Australia.

Ho detto «nuova», ma Chris Abrahams (tastiere), Tony Buck (batteria) e Lloyd Swanton (basso) suonano insieme da più di quindici anni. Vengono da Sydney e forse la loro distanza dai centri tradizionali del miglior jazz può aver gio­cato un certo ruolo nella loro originalità innovativa. Forse spiega anche perché il loro seguito di appassionati, benché fedelissimo, sia ancora relativamente ridotto.

Sia dal vivo che su disco una tipica esibizione dei Necks consiste in un unico brano lungo un’ora che cresce lentamente d’intensità e complessità. A sottolìneare ancor più questa continuità, il loro secondo disco Next (1990) iniziava con dieci secondi del primo, Sex (1989). Il minimalismo sublime di Aether (2001) porta questo approccio — o meglio, lo riduce — a una nuova dimensione: un pezzo intero basato su un unico brillante accordo. Mi piace questa scelta scomoda e coraggiosa: in una cultura caratterizzata più che altro dalla labilità dell’attenzione ascoltare i Necks necessita di un tipo di concentrazione assoluta, simile a quella richiesta dai raga indiani. j

Dal vivo di solito suonano in formazione acustica. I dischi in studio aggiungono qua e là a piano, basso e batteria un suono vorticoso di organo elettrico e piano Rhodes che da al loro sound un tocco alla Miles Davis anni ’70: lo si nota soprattutto in Hanging Gardens (1999). Miles prendeva a prestito e incorporava nella sua musica ciò che a suo giudizio — e a volte si sbagliava — era il meglio degli altri generi di musica leggera contemporanea; i Necks, come Molvaer, hanno accolto la ripetizione ipnotica tipica della miglior musica elettronica. Come concessione alle performance dal vivo, ì creatori di musica programmata fanno delle improvvisazioni di qualche sorta, che spesso non vanno oltre un gran girar di manopole tanto per fare scena. Qui, i loop interminabili, i giri di basso e le parti di batteria programmate sono di nuovo in mano a musicisti che improvvisano liberamente, creando un tappeto sonoro infinito. Ci sono echi del fluire incontrollato del trio di Jarrett, che i Necks talvolta ricordano. E’ particolarmente vero in «Pelè», contenuto in Next, che dura mezz’ora: un pezzo corto, per le abitudi­ni del gruppo. In altri momenti sembrano sul punto di passare alla pura dance music. Non succede quasi mai del tutto, ma l’attesa crescente crea una suspense incredibile. Ecco che si spiega la sensazione di trovarsi ad ascoltare una musica guidata da suoi elementi latenti, e qui torna la similitudine con la musica clas­sica indiana.

Come suggerisce il titolo, Drive By, il loro disco del 2004 è ottimo da ascol­tare mentre si guida, e non solo perché sì slancia verso un orizzonte che continua ad allontanarsi. È musica che contiene lo spazio che attraversa. I Necks sono ispi­rati forse dall’abilità che Miles aveva di riempirla propria musica di spazi, ma sembra probabile che l’apertura del loro stile abbia radici più profonde, nell’immenso paesaggio australiano. Ne è testimonianza il fatto che a volte ci si sente così cullati da pensare che i loro brani siano monotoni, per poi accorgersi che la musica è completamante cambiata senza riuscire a dire quando quel cambiamento è avvenuto. È musica immutabile e in continuo cambiamento e non c’è modo di sapere dove porterà quel viaggio in stato di trance. Come annotò D.H. Lawrence durante il suo viaggio in Australia nel 1922, c’è «una specie di richiamo nel bush. Ci si potrebbe ritrovare fuori dal mondo, sull’orlo dell’altrove».

Lo si percepisce intensamente in Drive By, che volteggia attraverso paesaggi da sogno ambient, giochi di bambini, grilli, alveari, evocati tutti da suoni «trovati per caso». Mentre gli album precedenti erano dischi affidabili e un po’ disadorni composti di improvvisazioni continue «in diretta», Drive By è costituito da seg­menti che sono stati ristrutturati in fase di edizione, ricchi di overdubbing, come una colonna sonora per un film ancora da girare.

Drive By ha le potenzialità per essere il disco che farà conoscere i Necks a un pubblico di massa. A scanso della possibilità che qualcuno lo interpreti come un rilassamento e un ammorbidimento del loro stile, a quel disco ha fatto seguito nel 2005 un doppio CD, Mosquito/See Through, astratto, minimalista e difficile come e più dei precedenti. Non so neanche se mi piace ascoltarlo, non sono sicuro di essere in grado di dedicargli il tempo e la concentrazione che richiede, ma adoro quel disco e amo i Necks: bisognerebbe essere matti per pensare il contrario.

In La musica che abbiamo attraversato, a cura di Ranieri Polese, Editore Guanda, 2005, Traduzione di Giovanni Garbellini